Corps en Immersion

Le festival Ondes Messines, porté par la Ville de Metz, la Cité Musicale-Metz et TCRM-Blida, explore chaque année les liens entre musique et numérique. Et l'édition 2017 s'annonce tout simplement épatante.

Parce que les Ondes se diffusent un peu plus encore dans toute la ville, de la place de la République à la BAM, de TCRM-Blida au Centre Pompidou-Metz, de l'Arsenal à la Place d'Armes Jacques François Blondel.

Parce que les rendez vous proposés du 28 juin au 2 juillet 2017  s'annoncent déjà comme des moments musicaux et visuels exceptionnels, comme des concerts immanquables de cette année.

Parce que l'on pourra découvrir, manipuler, participer.

Parce qu'Ondes Messines ouvre un été à Metz qui sera marqué d'une empreinte artistique et numérique impressionnante.

Rien que pour cela, on attend déjà l'été avec impatience.

Le présent ouvrage vise à dresser un état de l'art concernant le questionnement sur l’« hybridation »: un concept fondamental des sciences humaines et sociales dans une période marquée par de profondes mutations placées sous le signe des métissages. Qui douterait que la germanistique française ait son mot à dire à ce sujet? Elle, qui? La thématique, dotée d’une grande actualité, présente le mérite d’intégrer les sous-disciplines traditionnelles de la germanistique, mêlant les compétences des littéraires à celles des civilisationnistes, des historiens des idées et des linguistes. La ville de Reims n’était-elle pas un endroit tout indiqué pour ce genre de réflexions? Haut-lieu symbolique du franco-allemand, depuis la destruction de sa cathédrale pendant la guerre de 1914/18, mais aussi une ville où la mise en scène de la réconciliation, du rapprochement et de l’amitié avait droit de cité, au moins depuis la rencontre, lourde de significations, d’Adenauer et de De Gaulle, en 1962. En guise de clin d’œil, le dernier article du présent ouvrage raconte une histoire franco-allemande sur fond d’affrontements et de rencontres, qui est celle du champagne — grand produit local issu d’une forme de métissages qu’on appelle ici assemblage…

Depuis le début du mois de juin, cette première plate-forme artistique VR mondiale, Acute Art, produit et distribue de l'art contemporain par la fine pointe de la réalité virtuelle et de la technologie interactive.

Il est d'ores et déjà possible de découvrir trois des plus grands artistes contemporains du monde: Jeff Koons, Olafur Eliasson et Marina Abramovic. La mission d'Acute Art est d'explorer et de permettre la transition de l'art dans le monde physique vers le nouveau domaine perturbateur de VR.

Au lien ci-dessous, il vous sera possible de découvrir un aperçu de trois nouvelles œuvres interactives Phryne (prononcé «Fry-nee») de Jeff Koons, Rainbow de Olafur Eliasson et Rising de Marina Abramovic. Les trois œuvres interactives des artistes contemporains emblématiques ont été réalisées à Stockholm's Brilliant Minds  cette semaine. La galerie numérique VR espère explorer et encourager la transition de l'art du mot de l'art physique vers le nouvel âge en ligne. Le projet se lance officiellement à l'automne 2017 avec des projets visant à créer des artistes jeunes et émergents.

ELEKTRA est un festival international d'art numérique présentant des œuvres et des artistes qui allient art et nouvelles technologies. Le festival ELEKTRA est ainsi, pour le public montréalais, une vitrine de la création locale, nationale et mondiale. Sur la scène internationale ELEKTRA est un ambassadeur et exportateur du talent québécois en tant que porteur d'initiatives de type Québec numérique. ELEKTRA a présenté récemment une série de vitrines à Paris (FR) en 2011, Bruxelles (BE) en 2013, tout en favorisant la présence des artistes québécois depuis 2002 en Corée du sud, Japon, France, Italie, Belgique, Hollande, Autriche, Allemagne, etc.

ELEKTRA est transdisciplinaire : il crée des alliages entre les différentes disciplines artistiques telles que la musique, la vidéo, le cinéma, les arts de la scène, le design, le jeu et l’installation sonore ou interactive en conjonction avec les plus récentes technologies numériques. De par son implication dans la diffusion de la création, ELEKTRA fait en sorte que des artistes issus de toutes les pratiques côtoient des chercheurs, programmeurs, ingénieurs et techniciens ayant comme point commun un intérêt marqué pour les applications artistiques des nouvelles technologies.

27 juin 2017

Ouverture du festival ELEKTRA à la Société des Arts Technologiques - SAT à 19:00 avec TIM par Nicolas-Noël Jodoin et Joël-Aimé Beauchamp (CA).

28 juin – 29 juin 2017

ELEKTRA est un festival international d'art numérique qui présente des œuvres et des artistes alliant art et nouvelles technologies. Le festival ELEKTRA est ainsi, pour le public montréalais, une vitrine de la création locale, nationale et mondiale.

28 - 29 juin : ELEKTRA à Usine C avec la performance INFERNO de Louis-Philippe Demers & Bill Vorn (QC-CA)

28 - 29 juin : Marché international de l'art numérique (MIAN) à la Cinémathèque québécoise

29 juin au 20 août : INVERSO MUNDUS de AES+F (RU) à la cinémathèque québécoise

Restez à l’affût pour le dévoilement complet des activités du 28 juin au 20 août!

28 – 29 juin : INFERNO - Performance robotique participative Usine C

"The danger is that man could actually be transformed into an unfeeling machine." George Orwell, 1984

«Le but, avec Inferno, c’était de rapprocher la machine le plus près possible du corps du spectateur, d’essayer de créer un rapport presque intime entre les deux.» Louis-Philippe Demers

En ouverture du festival les 28 et 29 juin, suite au succès retentissant de 2016, ELEKTRA présentera la performance exceptionnelle INFERNO des artistes Louis-Philippe Demers et Bill Vorn. INFERNO est une oeuvre robotique participative où les spectateurs revêtent des exosquelettes et deviennent acteur de la performance.

Après un tour du monde et avant de repartir en tournée en Europe et en Amérique du Sud, 49 personnes du public auront la chance chaque soir de vivre cette expérience unique où leurs corps seront pris en charge par les artistes, créant des chorégraphies improbables, en synchronicité avec musique et lumières.

 Congrès Deuxième Semaine Internationale du corps,
Organisé par l'EA 3625 TEC "Techniques & Enjeux du corps" & le GDRI 836 CNRS "Body Ecology, Physical Adapted Actvities"

26-30 JUIN 2017

UFR STAPS Paris Descartes 
1 rue de Lacretelle 75015 Paris

Les techniques du corps sont le résultat de mécanismes interactifs entre le corps et le monde : prélèvement de l’information environnementale, sélection du programme moteur, ajustement de cette réponse, lancement de l’exécution motrice (Durand, 2015). Ces techniques viennent nous interroger sur les conditions de l’apprentissage par les activités physiques, sportives et adaptées dans le corps vivant et dans le corps vécu.

Au cours de cette 2ème Semaine Internationale du Corps, nous explorerons les origines des techniques d’apprentissages, au cours des deux premières journées (26 et 27 juin 2017) dans la méthode naturelle de Georges Hébert, dans les travaux de chronophotographie de Marey et Demeny et la Naturphilosophie, le renouveau pédagogique des Lebensreform.

Les trois autres journées, qui reprennent la structuration en trois axes de notre laboratoire TEC (EA 3625), développe trois modes d’apprentissage par corps de ces techniques : Apprendre du Jeu Vidéo et du Sport (28 juin), Apprendre de son corps et de son genre (29 juin), Mouvement, Perception et Cognition : expériences motrices pour le bien-être et l’adaptation (30 juin).

Programme:

Lundi 26 juin 2017
Monte Verita : Communautés d’expériences du corps et de retours à la Nature
(org. Olivier Sirost & Marc Cluet)

Mardi 27 juin 2017
Demenÿ - Hébert : La nature en mouvement
(org. Pierre Philippe-Meden)

Mercredi 28 juin 2017
Sport & Jeu Video : Relations, usages et pratiques
(org. Nicolas Besombes & Antoine Lech)

Jeudi 29 juin 2017
Faire (ou ne pas faire) corps avec son identité sportive et sociale
(org. Hélène Joncheray, Franck Dolif-Perros & Maxime Gillet)

Vendredi 30 juin 2017
Mouvement, Perception et Cognition : expériences motrices pour le bien-être et l’adaptation
(org. Pauline Maillot & Sylvain Hanneton)

Programme complet de chacune des journée au lien ci-dessous. 

Lundi 12 juin, 21h 
Vernissage, Palais de Tokyo, entrée libre
Exposition "Le rêve des formes", commissariat de Claire Moulène & Alain Fleischer
Du 14 juin au 10 septembre 2017

 
Saturnium, conte musical et photographique et SMITH & Hoang
À quoi rêvent les particules atomiques ? Quelle est la forme de la désintégration ? Quel est le langage de la morphogenèse ?” Ces questions laissées sans réponse, formulées de concert par SMITH & Hoang, résonnent comme l’écho de percussions lointaines, et constituent le bruit blanc d’un projet à quatre mains qui mêle fiction, recherches scientifiques et expérimentations techniques. Fasciné par les travaux de Marie Curie, le duo a choisi de faire de la radioactivité sa machine à rêve de formes et offre une oeuvre unique et innovante, mêlant fiction et temporalité. À travers un conte musical et photographique, à la lisière du fantastique, les artistes exhument une découverte non publiée qu’aurait faite la scientifique en son temps : celle d’un nouvel élément chimique baptisé “saturnium”, en référence à sa possible origine saturnienne – et à Saturne, dieu du temps, figure de la mélancolie. Cette substance “capable de courber le temps”, selon l’astrophysicien Jean-Philippe Uzan, collaborateur du duo, irradie les images de SMITH et la musique d’Antonin Tri Hoang.

La création est présentée cet été au Palais de Tokyo dans le cadre de l’exposition "Le Rêve des Formes" qui célèbre les 20 ans du Fresnoy, commissariée par Alain Fleischer & Claire Moulène.

"Saturnium" permet de penser, de travailler, d’explorer, en images et en musiques, la possibilité de la catastrophe, l’apocalypse nucléaire, le changement d’époque, et la pensée poétique, onirique, de la forme des prémices d’un nouveau monde auquel il est permis de rêver.

L'installation sera révélée au cours du vernissage qui se tiendra ce lundi 12 juin à 21h.
Remerciements à la Galerie les Filles du Calvaire et Leica Camera France pour leur soutien.

Un Son & Lumière éblouissant: La Dame aux Camélias
23, 24, 29, 30 juin, 1er et 2 juillet

Les 300 bénévoles du Son & Lumière sont de retour sur la scène du Château des Cèdres de Montfermeil pour une 3e saison époustouflante. Inspiré du célèbre roman d'Alexandre Dumas fils et parrainé par le célèbre ténor Roberto Alagna, La Dame aux camélias retrace l'histoire d’amour tragique entre une jeune courtisane, Marguerite Gautier et un jeune homme de bonne famille, Armand Duval. Digne des plus grands spectacles de plein air, le Son & lumière vous en mettra plein les yeux et les oreilles: la Traviata de Verdi, des costumes d'époque entièrement confectionnés main ou provenant de l'Opéra de Varsovie, des cavaliers et attelages, des décors féeriques créés en vidéos 3 mapping, dignes de la Fête des Lumières de Lyon ou de la Cinescénie du Puy du Fou.

Ce spectacle s'inscrit dans la programmation du Montfermeil Art' Festival se déroulant du 21 juin au 2 juillet 2017 (programmation complète sur le site de la ville de Montfermeil)

Ouverture de la billetterie le 10 mai 2017

Début du spectacle : 21h45
Durée : 1h20
Dès 6 ans

Tarifs spectacle :
Tarif plein :
Adulte : 18€
Enfant - de 16 ans : 7€
Tarifs réduits :
Famille /*CNAS (2 adultes max + enfants – de 16 ans)
Adulte : 14€
Enfant – de 16 ans : 5€
-Spectateur en situation de handicap (limité à 16 places par soir)/* Demandeur d'emploi/ -Bénéficiaire du RSA/* FFFSH/ Groupe à partir de 10 personnes : 14€
-Étudiant : 8€
Covoiturage : gratuit pour le conducteur (Blablacar)

* Tarifs accordés sur présentation de justificatifs

Tarifs dîner spectacle :
Adulte : 42€
Enfant – de 16 ans : 21€
Groupe (à partir de 10 pers) : 38€
Menus disponibles sur le site internet ci-dessous

Pour en savoir plus, rendez-vous sur : www.la-dame-aux-camelias.fr
Information et réservation: 01 41 70 10 60 / son-lumiere@ville-montfermeil.f

Bienvenue à l’homme augmenté et au robot humanoïde

Le transhumanisme est un courant de pensée international prônant l’amélioration de l’être humain par les sciences et la technologie. Il considère que le prochain stade de l’évolution sera celui où nous prendrons enfin la main sur notre propre devenir biologique au lieu de l’abandonner aux forces aveugles de la sélection naturelle. Nous assisterons bientôt à l’abolition des quatre fléaux qui gâchent la vie des hommes depuis l’aube des temps : le handicap, la maladie, la vieillesse et la mort. Ainsi, la technomédecine, comme l’annonce le Docteur Laurent Alexandre, va bouleverser l’humanité. La médecine ne soignera plus, mais transformera nos capacités biologiques, physiques, intellectuelles grâce notamment à des puces implantées dans le cerveau, des implants miniaturisés, des connexions personne-machine.

Hier science-fiction, aujourd’hui réalité, les robots humanoïdes seront également au rendez-vous, dotés d’intelligence artificielle, ils reconnaitront les objets, feront face à des situations de plus en plus complexes, compagnons pour les uns, futurs esclaves pour les autres.
Pour autant, si tout devient possible, est-ce que tout cela est souhaitable ?

Le transhumanisme interroge et inquiète

Mais ce modèle civilisationnel qui s’instaure, est fondé sur l’organisation algorithmique de la société, laisse présager un dessaisissement de notre pouvoir de décisions. Gare aux lendemains qui déchantent !
Il est encore temps de mettre en évidence les ombres et les lumières de la pensée transhumaniste afin de reprendre la main sur notre Avenir.
Lanceurs d’alerte en robe noire, passionnés par l’innovation et fondamentalement soucieux du respect de l’intégrité et de la dignité humaine, nous avons décidé de nous engager dans le procès du transhumanisme. En effet, il nous semble que les professionnels du droit sont à même de guider au mieux la transition entre le présent et le futur, afin de choisir son avenir en toute connaissance de cause, en mettant en évidence les équilibres et les ajustements souhaitables entre divers intérêts dans le cadre d’un débat contradictoire.

Les acteurs du procès:

LES AVOCATS
Cabinet HAAS : Me Gérard HAAS et son équipe
Cabinet VIGO : Me Emmanuel DAOUD et son équipe
Cabinet Fromont-Briens : Me Catherine MILLET-URSIN et son équipe

LES MAGISTRATS
Myriam QUEMENER et son équipe
Françoise BARBIER-CHASSAING et son équipe

LES PROFESSEURS DE DROIT
Grégoire LOISEAU
Judith ROCHFELD
Pierre SIRINELLI

LES MEDIAS
DALLOZ
Village de la Justice

Le procès aura lieu le 22 juin 2017, à 18h, au Palais de Justice de Paris.

Pour la plupart, l'expérience doit être pleinement présente comportant un confort extrêmement marqué dans notre culture de d'hyperconsommation. Heureusement , il y a Liminal Scope : une nouvelle installation audiovisuelle immersive qui vise à aider les gens à retrouver leur sens de la présence, de l'être là en visualisant la lumière lorsqu'elle se déplace dans l'espace. La pièce a été créée par le duo d'artistes Hovver , composé d'artistes basés à Brooklyn: Chris Lunney et Katherine Brice. Lunney, en décrivant la pièce, souligne que nous ne voyons généralement pas la lumière au milieu, mais au lieu de voir où elle commence ou se termine. À travers une colonne composée de trois bagues lumineuses sculpturales, l'installation audiovisuelle immersive tente de tracer le passage de la lumière elle-même.

L'installation a fait ses débuts dans Industry City, un entrepôt industriel de 6 000 000 pieds carrés qui se trouve sur le front de mer de Sunset Park, à Brooklyn. Un nouveau documentaire court du réalisateur Kendall Tichner et DP Alexander Barreto montre l'espace complètement occulté pour rendre l'expérience aussi fastueuse que possible. Chaque anneau, fabriqué à partir d'une combinaison de bois, de métal brillant et de peinture, est utilisé grâce à la mécanique, aux projecteurs, à l'optique, aux créateurs de brouillard artificiel et aux logiciels. En plus des composants visuels de l'installation, les artistes ont développé un paysage sonore dynamique qui se déroule hors de la collection de haut-parleurs qui fonctionnent dans l'espace.

Lunney dit que Liminal Scope est un moyen abstrait de retrouver la présence, une expérience méditative qui touche les spectateurs engagés. En représentant la lumière d'une manière que vous ne l'avez jamais vue, les artistes cherchent à réveiller un état d'étonnement enfantin qui vous réinitialisera dans votre corps.