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Corps en Immersion

Une actualité dans les arts et les sciences à travers les corps pluriels.

Articles avec #artiste catégorie

Moonolith

Publié le 22 Juin 2017 par Anaïs BERNARD dans evenement, artiste

Moonolith
Les installations sont des œuvres d'art évoluant dans un cadre à 3 dimensions. Les technologies sont utilisées comme amplificateurs - sens, intelligence, interaction - pour créer des moments augmentés au pouvoir des émotions. VIF produit des installations où les artistes, les savoir-faire et les technologies se rencontrent. Ils sont considérés comme des outils immersifs pour créer le patrimoine de demain. Repensant les niveaux d'interactions entre les arts et le public, VIF travaille avec les institutions, mais aussi avec des marques devenant de nouveaux Medicis, les sponsors d'un nouveau genre, en reconsidérant l'approche de la culture.
MOONOLITH est un monument interactif pensé pour l’espace public reflétant la lune, les constellations et les étoiles sur sa surface. C’est un monument consacré à l’habitant urbain, une ode à la matière noire, au vide, au néant, à l’espace libre, à la vitesse et au temps qui passe. L’installation réagit à son environnement tissant une relation unique avec son lieu d’accueil et le public qui l’entoure.
MOONOLITH est une sphère céleste monumentale qui opère à deux niveaux. La nuit, sa surface devient un instrument sensible à la lumière et au son transformant l’installation en un terrain de jeu pour le public. Le jour, MOONOLITH est une sculpture sonore qui réagit aux mouvements des visiteurs. Elle dessine alors un nouvel espace propice au calme et à la réflexion.
 
Création de Martin Bricelj Baraga, Slavko Glamočanin, Eric Raynaud – Fraction, Igor Vuk
 
A découvrir cette été à la Cour Pavée – rue de la Princerie, à Metz
Du 30 juin au 31 juillet, dès 22h45
Du 1er au 18 août, dès 22h30
Du 19 au 26 août, dès 22h
Du 27 août au 16 septembre, dès 21h30
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Red Stars

Publié le 19 Juin 2017 par Anaïs BERNARD dans artiste, evenement

Red Stars

Les flux s’activent, se fixent, gravitent. En errance dans des espaces résiduels, le public devient la proie, la cible. Captées dans leur densité et dans leur vélocité, les particules en mouvement sont absorbées et restituées aux travers d’astres célestes lumineux. Les étoiles, tantôt hospitalières, tantôt oppressantes s’imprègnent du contexte pour en capter le rythme.

Concept / Artistic Director : Jeremie Bellot
Lights : Julien Desbrosses
Interactivity : Sylvain Delbart
Sound : Nano
Building team: François Lembrez & Sebastien Schnabel

A découvrir à la Chapelle des Trinitaires, à Metz:
Du 30 juin au 31 juillet, dès 22h45
Du 1er au 18 août, dès 22h30
Du 19 au 26 août, dès 22h
Du 27 août au 16 septembre, dès 21h30

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Liminal Scope, une installation audiovisuelle immersive

Publié le 7 Juin 2017 par Anaïs BERNARD dans artiste

Liminal Scope, une installation audiovisuelle immersive

Pour la plupart, l'expérience doit être pleinement présente comportant un confort extrêmement marqué dans notre culture de d'hyperconsommation. Heureusement , il y a Liminal Scope : une nouvelle installation audiovisuelle immersive qui vise à aider les gens à retrouver leur sens de la présence, de l'être là en visualisant la lumière lorsqu'elle se déplace dans l'espace. La pièce a été créée par le duo d'artistes Hovver , composé d'artistes basés à Brooklyn: Chris Lunney et Katherine Brice. Lunney, en décrivant la pièce, souligne que nous ne voyons généralement pas la lumière au milieu, mais au lieu de voir où elle commence ou se termine. À travers une colonne composée de trois bagues lumineuses sculpturales, l'installation audiovisuelle immersive tente de tracer le passage de la lumière elle-même.


L'installation a fait ses débuts dans Industry City, un entrepôt industriel de 6 000 000 pieds carrés qui se trouve sur le front de mer de Sunset Park, à Brooklyn. Un nouveau documentaire court du réalisateur Kendall Tichner et DP Alexander Barreto montre l'espace complètement occulté pour rendre l'expérience aussi fastueuse que possible. Chaque anneau, fabriqué à partir d'une combinaison de bois, de métal brillant et de peinture, est utilisé grâce à la mécanique, aux projecteurs, à l'optique, aux créateurs de brouillard artificiel et aux logiciels. En plus des composants visuels de l'installation, les artistes ont développé un paysage sonore dynamique qui se déroule hors de la collection de haut-parleurs qui fonctionnent dans l'espace.


Lunney dit que Liminal Scope est un moyen abstrait de retrouver la présence, une expérience méditative qui touche les spectateurs engagés. En représentant la lumière d'une manière que vous ne l'avez jamais vue, les artistes cherchent à réveiller un état d'étonnement enfantin qui vous réinitialisera dans votre corps.

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Archive Dreaming, un espace architectural immersif.

Publié le 4 Juin 2017 par Anaïs BERNARD dans artiste

Archive Dreaming, un espace architectural immersif.

Commis pour travailler avec les collections de recherche SALT, l'artiste Refik Anadol a utilisé des algorithmes d'apprentissage machine pour rechercher et trier les relations entre 1 700 000 documents. Les interactions entre les données multidimensionnelles trouvées dans les archives sont, à leur tour, traduites en une installation multimédia immersive. Archive Dreaming, qui est présenté dans le cadre de The Uses of Art: Exposition finale avec le soutien du Programme culturel de l'Union européenne, est axée sur l'utilisateur. Cependant, lorsqu'il est inactif, l'installation «rêve» de corrélations inattendues entre les documents. Les données et interactions à grande dimension qui en résultent se transforment en un espace architectural immersif.

Peu de temps après avoir reçu la commission, Anadol était un artiste résident pour le programme Artist and Machine Intelligence de Google, où il a collaboré étroitement avec Mike Tyka et a exploré des développements de pointe dans le domaine de l'intelligence mécanique dans un environnement qui rassemble des artistes et des ingénieurs. Développé au cours de cette résidence, son intervention Archive Dreaming transforme l'espace de la galerie sur le sol -1 de SALT Galata en un environnement global qui intègre l'histoire avec le contemporain et met en évidence les concepts immuables des archives tout en déstabilisant les questions liées à l'archive avec l'apprentissage machine Algorithmes.

Dans ce projet, un espace architectural immersif temporaire est créé sous forme de toile avec lumière et données appliquées en tant que matériaux. Cet effort radical pour déconstruire le cadre d'un espace illusoire transgresse les limites normales de l'expérience de visionnement d'une bibliothèque et de l'écran de projection classique de cinéma plat, dans un espace cinétique et architectonique tridimensionnel d'une archive visualisée avec des algorithmes d'apprentissage machine. En formant un réseau de neurones avec des images de 1 700 000 documents à SALT Research, l'idée principale est de créer une installation immersive avec l'intelligence architecturale pour refléter la mémoire, l'histoire et la culture dans la perception du musée pour le 21ème siècle grâce à la lentille de l'intelligence de la machine.

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Collar X, un collier pour vous contrôlez

Publié le 2 Juin 2017 par Anaïs BERNARD dans artiste

Collar X, un collier pour vous contrôlez

Fondé en 2008, XCEED est un collectif d'art basée à Hong Kong axé sur l'art des nouveaux médias. Composé d'artistes, de programmeurs et d'ingénieurs, le collectif crée des travaux qui reflètent tous les deux et met en évidence les problèmes de l'ère numérique . Actuellement, le groupe est en tournée en Grèce et en Pologne avec un travail récent, le Collar X. Collar X est une version actualisée d'une pièce XCEED a été commandée par l' Incubateur pour le film et les médias numériques en Asie (IVFA) en 2016 Sur le thème de la surveillance. La version précédente, appelée Collar AG, est un collier métallique avec une horloge à rebours, un guide parlant et des écouteurs de conduction destinés à intervenir avec l'expérience des galeristes d'une exposition IVFA.

Ses caractéristiques ont été inspirées par les bulles de filtre de Google , dans lesquelles l'algorithme de la société commence à fournir aux utilisateurs des résultats de recherche sélectifs alignés sur leur vision du monde préexistante, en fonction de l'activité précédente. Dans la poursuite de l'imitation de ce comportement idéologiquement limitant, Collar AG surveille de près son porteur et commande ses actions dans l'espace de la galerie. «Nous avons installé différents capteurs dans l'espace, de sorte que lorsque le visiteur met sur Collar AG et parcourt l'espace, notre système connaîtra son emplacement», a déclaré Chris Cheung , directeur artistique de XCEED, aux créateurs .

Les capteurs ne font pas que suivre le mouvement, ils déclenchent aussi Suri, une version piratée de Siri d'Apple . Suri agit comme un guide pour le porteur, en expliquant les détails sur les différentes pièces de l'exposition. Comme Suri offre des opinions sur l'art et empêche les visiteurs de diverger de son chemin prescrit, plus les aspects Big Brother-col de Collar X et Collar AG entrent en jeu.En fonction de la taille de l'espace, l'horloge compte à rebours oblige les utilisateurs à respecter un délai de 20 à 30 minutes pour visualiser l'exposition.Au fur et à mesure que la minuterie s'approche de son délai pré-ordonné, le collier émet un bourdonnement perturbateur.

XCEED vient de terminer son premier tour de l'appareil et espère continuer à le montrer dans des festivals et des expositions à travers le monde, incitant les gens à réfléchir de manière critique à leurs relations avec la technologie et la surveillance. Parfois, avoir une idée à travers votre tête exige un bon coup de pied dans le pantalon. D'autres fois, vous pourriez avoir besoin d'un collier de métal parlant qui soit attaché autour de votre cou pour l'absorber.

Nous abandonnons notre liberté d'utiliser une nouvelle technologie. Et c'est ce que nous essayons de faire, de créer un appareil portatif à la mode qui aide les gens à repenser l'idée derrière le problème de la surveillance.

XCEED

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ORLAN EN CAPITALES

Publié le 18 Mai 2017 par Anaïs BERNARD dans exposit, conférence, artiste

ORLAN EN CAPITALES
EXPOSITION
20.04.2017 - 18.06.2017
MAISON EUROPÉENNE DE LA PHOTOGRAPHIE
ORLAN EN CAPITALES
 
ORLAN sort du cadre. Son nom s’écrit chaque lettre en capitales car elle ne veut rentrer ni dans les rangs, ni dans la ligne. ORLAN a conquis avec ses œuvres les capitales du monde et de l’art, de Paris à New York en passant par Los Angeles, du Centre Pompidou au MoCA ou au LACMA, au Getty, au Sungkok Museum en Corée du Sud, au Victoria & Albert Museum de Londres...
La Maison Européenne de la Photographie est très heureuse de présenter l’importante exposition "ORLAN EN CAPITALES" pendant le Mois de la Photo du Grand Paris. Son commissaire, Jérôme Neutres, a réuni plus d’une centaine de photographies, d’installations et de films. Il a choisi des œuvres capitales pour la compréhension de la démarche d’ORLAN.
 
À l’occasion de la rétrospective "ORLAN EN CAPITALES" que la MEP dédie à ORLAN, une rencontre est organisée avec cette artiste qui change constamment et radicalement les données, déréglant les conventions et les prêt-à-penser.
Toujours mêlée d’humour, parfois de parodie ou même de grotesque, son œuvre provocante peut choquer car elle bouscule les codes préétablis.
Rencontre à l’auditorium de la MEP, mercredi 24 mai 2017 à 18h (réservation à faire).
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CORE

Publié le 17 Mai 2017 par Anaïs BERNARD dans performance, artiste

CORE

À la manière d’un noyau métaphorique, la performance de danse immersive “CORE” présentera deux espaces en mouvements inclus l'un dans l'autre. L'un extérieur s’arrime sur un dispositif fixe de haut­s-parleurs, l'autre intérieur s’arrime sur un dispositif de hauts-­parleurs mobiles et lumineux.

Pour cette pièce, les artistes fabriquerons des hauts-­parleurs spécifiques en plexiglas opale et sans fils. La danse sur scène devenant tour à tour un générateur d’espaces sonores mais aussi un générateur d'espaces visuels.

23, 24 et 26 mai - 19h
Billet régulier : 22.25$ - Achetez en ligne ici (et à la SAT)
Satosphère - 3e étage
Durée : 40 minutes


AURORE GRUEL

Après un parcours de formation classique, elle s’oriente vers la danse contemporaine tout en poursuivant des études de philosophie. Elle développe un travail qui engage le corps dans un acte poétique. Sa danse instinctive, musicale et réflexive est un cheminement où elle cultive la passion du paradoxe. Sur les bordures, elle fait le voyage de ses filiations et échappe aux classifications. En 2004, AuroreGruel fonde la Compagnie Ormone, et l’inscrit dans une recherche croisant les différents champs artistiques (danse, musique, arts visuels, film).


HERVÉ BIROLINI

Hervé Birolini explore tous les domaines du sonore. De la pièce de concert à l'installation, de la performance électroacoustique à la musique de scène ou de film, Art radiophonique ou musique mixte, ses terrains d'expérimentation s'enrichissent les uns les autres et interrogent sans cesse sa position de compositeur.

D’essence électronique, sa musique s’élabore à partir de matériaux réels, concrets ou instrumentaux, mais aussi à partir d’objets sonores produits par une lutherie informatique.

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IN - OUT / PARADIS ARTIFICIELS 2017

Publié le 28 Avril 2017 par Anaïs BERNARD dans artiste

IN - OUT / PARADIS ARTIFICIELS 2017

"IN - OUT / Paradis Artificiels" est une oeuvre / installation multisensorielle inédite de Miguel Chevalier imaginée pour le parc du Domaine de Chaumont-sur-Loire et accompagnée par une musique générative originale de Jacopo Baboni Schilingi.

Une architecture demi-sphérique en bois, recouverte de films holographiques, s'irise au soleil, tel un scarabée géant de 12 mètres de diamètre. Selon la luminosité, cette architecture embrasse toutes les couleurs du spectre lumineux et attire le visiteur. Invité à pénétrer dans ce dôme géodésique, le visiteur découvre à l'intérieur d'un second dôme de 8 mètres de diamètre un jardin virtuel projetée sur les parois à 360°. Il quitte la réalité et profite de cette expérience d’immersion unique où tous ses sens sont mis en éveil. Ce jardin virtuel explore avec poésie la question du lien entre nature et artifice. Selon une démarche initiée à la fin des années 90, cette oeuvre prend appui sur l’observation du règne végétal et sa transposition imaginaire dans l’univers numérique.

Cette nature virtuelle s'inspire des arborescences, mêle différentes espèces d’arbustes, de feuillages, de fleurs qui rappellent la végétation des sous-bois. Cette nature aux formes parfois réalistes, parfois abstraites, se génère à l’infini. Les plantes naissent aléatoirement, s’épanouissent, avant de disparaître sous les yeux du visiteur. Le jardin se renouvelle et se métamorphose en permanence, enrichi par la musique de Jacopo Baboni Schilingi.

Par cette immersion au cœur de cette architecture demi-sphérique enveloppante, ce monde virtuel reconfigure notre vision du lointain et du proche, ouvre sur l’infini. Les plantes tournoient et s’entrelacent en un mystérieux ballet végétal. La légèreté de leur danse trace les contours d’un jardin, qui comme un microcosme, semble résumer l’évanescence de la beauté et de la vie.

L’installation “In / Out – Paradis Artificiels” est réalisée en co-production avec le Domaine de Chaumont-sur-Loire,
Grâce au soutien de Claire et François Durand-Ruel, Danièle Kapel-Marcovici / Présidente de la Fondation Villa Datris, Brigitte Lescure et Emmanuel d’André, Antoine Wargny / Wargny Assurances, Lélia Mordoch / Galerie Lélia Mordoch – Paris / Miami, Nicolas Gaudelet / Voxels Productions.

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La Révolution des Ténèbres

Publié le 24 Avril 2017 par Anaïs BERNARD dans ouvrage, artiste

La Révolution des Ténèbres

La Révolution des Ténèbres est un livre de science-fiction, multimédia et interactif, librement inspiré de la vie du peintre Caravage.


Caravage est un jeune artiste célèbre, au caractère emporté, dont les frasques contribuent à forger la réputation. Sur la Lune, il appartient à une bande de jeunes gens querelleurs qui règlent des différends artistiques en se battant à l’arme blanche. Bientôt, son destin va basculer. Personnages historiques et de fiction vont interagir pour réécrire l’aventure du peintre ténébriste entre meurtre, passion, fuite éperdue.


L’application Android, conçue pour tablettes et smartphones, comprend plus d’une centaine de pages de lecture réparties sur 8 épisodes, eux-mêmes divisés en scènes. La navigation interactive est conviviale et permet à l’utilisateur de naviguer facilement entre le récit et les animations audiovisuelles. Entre fiction et réalité, plongez en immersion dans une expérience littéraire inédite, en téléchargeant La Révolution des Ténèbres sur le Google PlayStore (lien ci-dessous).


Prix de lancement : 0,99 euro!

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PSAD Synthetic Desert III

Publié le 11 Avril 2017 par Anaïs BERNARD dans exposit, artiste

PSAD Synthetic Desert III

Pour PSAD synthétique désert III (1971), Doug Wheeler a modifié la structure et la configuration d'une galerie de musée afin de contrôler l'expérience optique et acoustique. Il a transformé la pièce en un royaume hermétique, une « chambre semi-anéchoïque » conçu pour minimiser le bruit et induire une impression sensualiste de l'espace infini. Wheeler compare cette sensation de lumière et du son à la perception de vaste espace dans les déserts du nord de l'Arizona. Alors que le désert synthétique est profondément enracinée dans l'expérience de l'artiste du monde naturel, le travail ne décrit pas le paysage. Sa forme est strictement abstraite.


Le travail de Wheeler est souvent associée à l'art West Coast après 1960, en particulier une tendance appelée la lumière et l'espace. Le développement de la lumière et l'espace coïncide avec Minimalisme et partage avec un langage visuel libre de la forme géométrique. Au début des années 1960, Wheeler a produit de grandes peintures abstraites blanc qui explorent l'expérience optique pure. Au milieu de la décennie, il a développé différentes techniques combinant feuilles acryliques, laque et lumière au néon, et utilisé ces méthodes dans la fabrication d'objets comme la peinture, y compris une série appelée « lumière encasements ». Une fois installé dans MODIFIÉ tout blanc les chambres, les encasements émettent une luminosité trouble qui provoque la surface plane de chaque travail à apparaître fusionné avec la paroi. Wheeler abandonné objet faisant tout à fait dans les années 1960 pour créer des environnements immersifs tels que Desert synthétique, en utilisant un volume architectural, la lumière et le son comme ses médiums primaires. La production de la fondation Guggenheim Désert synthétique, basé sur les premiers dessins et réalisée en étroite collaboration avec l'artiste, est la première réalisation de ce travail.


L'expérience de l'oeuvre se limite à 5 personnes, pour limiter les sons et distractions possibles.  Cette présentation du PSAD Désert synthétique III  est organisée par Jeffrey Weiss , conservateur principal et Francesca Esmay , Conservatrice, Collection Panza, avec Melanie Taylor, directeur, design d'exposition. Le Guggenheim travaille également en étroite collaboration avec Raj Patel et Joseph Digerness de Arup, une firme de design qui se spécialise dans les propriétés acoustiques de l' espace bâti.

 

Actuellement l'expérience est possible du 24 mars au 2 août 2017, au Guggenheim de New York.

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