exposition

Process/PROCESSUS
Jusqu'au 09/04/2022

Étymol.: Mot latin signifiant «progrès, progression», dérivé de procedere «s'avancer», voir procéder. Comme terme d'anatomie, le latin processus se trouve chez Louis Vassée (Catalaunensis, in anatomen corporis humani, Paris: Faezendat, 1541). 

Déf. 1: Suite continue de faits, de phénomènes présentant une certaine unité ou une certaine régularité dans leur déroulement. Ils peuvent caractériser l'évolution d'un état considéré dans son développement, telle la mue des cigales. Par extension, il peut s’agir d’échanges et de fonctionnements de systèmes et d'appareils en interface avec leurs environnements.

Def. 2: Ensemble d'opérations successives, adoptées, organisées et suivies en vue d'un résultat déterminé, telle la réalisation du plan d’un circuit pour la fabrication d’une carte électronique. Modèle susceptible de rendre compte de l'enchaînement de séries nécessaires à la combinaison et à l'organisation d’une réalisation, ici au travers de la présentation d’un ensemble d’œuvres.

Déf. 3: En anatomie, c’est la formation constituant le prolongement d'un organe, d'une structure ou d'un tissu. C’est la transformation de la matière pour former un corps, fusse-t-elle aujourd’hui pour la fabrication d’une machine.

Zaven Paré construit les machines qu ́il dessine (collections du Ballard Museum of Puppetry / Connecticut et collections du Musée Gadagne / Lyon).
Zaven Paré est né à Fort de l’Eau (Algérie) et a grandi dans la région Parisienne. Il a étudié la peinture et la gravure à l’École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris et le dessin scientifique au Museum National d’Histoire Naturelle. En 1983, il expose sa première installation majeure au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.
À Montréal, où il s ́est installé en 1986, il a travaillé sur de multiples fronts, dont l’illustration, la peinture et le design, traversant les frontières des modèles de création traditionnels avec différents médias. La peinture occupe une grande partie de son oeuvre durant les très prolifiques années 80, au cours desquelles il a également conçu des décors et des costumes pour les chorégraphes Marie Chouinard et Edouard Lock, pour le compositeur Mauricio Kagel et pour le metteur en scène Denis Marleau.
De retour en France dans les années 90, Zaven a repris la gravure et publié de nombreux livres d’artiste, répondant également à des commandes de prestigieuses manufactures telles qu’Aubusson, Beauvais et Sèvres.
Zaven Paré est également connu comme performeur, notamment pour son utilisation de la robotique. Zaven Paré est un artiste titulaire d’un Post-Doctorat en Robotique - Osaka University (2010) et d’un Doctorat en Lettres - Université de Metz (2009). Il est chercheur associé des laboratoires Populations Japonaises (INALCO), Anthropologie et Anthropomorphisme (ARTMAP) et Théâtralité, Performativité et Effets de Présence (UQAM/Canada). Il a été Lauréat du French American Fund of Performing Arts au Californian Institute for the Arts (CalArts) à Los Angeles (1999-2001), de la bourse Arte e Tecnologia - RioArte au Brésil (2002).
Il a été résident de la Villa Kujoyama, boursier de la Japan Society for Promotion of Science (JSPS) en tant que Robot Drama Researcher pour le répertoire du dramaturge Oriza Hirata avec des humanoïdes et des androïdes dans l’Intelligent Robotics Laboratory du professeur Hiroshi Ishiguro.
En 2011, il a reçu le Prêmio Sergio Motta de Arte e Tecnologia (São Paulo) pour l ́ensemble de sa carrière.

Galerie Charlot
47 rue Charlot
75003 Paris - France
+33 (0)1 42 76 02 67
info@galeriecharlot.com

Du 10 décembre 2021 au 15 avril 2022, le Centre culturel canadien à Paris présente « Decision Making : L’instant décisif », une exposition produite dans le cadre de Némo – Biennale internationale des arts numériques de la Région Île-de-France, produite par le CENTQUATRE-PARIS, en partenariat avec Elektra (Montréal).

Les décisions sont issues de processus cognitifs complexes. Les envisager collectivement, quand elles engagent nos devenirs partagés, les rend rien moins que cruciales. Mais voilà que, de plus en plus, nous intégrons les machines dans de tels processus au travers d’algorithmes qualifiés de décisionnels. Ce qui n’est pas sans soulever des questions que les artistes savent mettre en perspective. Car l’époque que nous vivons, un simple instant au regard de la longue histoire de notre planète, est décisive considérant les choix qui s’offrent à nous pour un développement responsable de l’intelligence artificielle.

C’est donc maintenant que se jouent les droits humains quant à la gestion, par exemple, de ce qui émergera de nos données à toutes et tous. La prise en compte d’œuvres issues de processus décisionnels extirpés de l’invisible ne peut que nous projeter dans un futur immédiat qui nous appartient encore.

Produite par le Centre culturel canadien, l’exposition réunit quinze artistes venant du Canada, de France, d’Allemagne, d’Estonie, d’Espagne et de Finlande : Baron Lanteigne – Aram Bartholl – Adam Basanta – Véronique Béland – France Cadet – Naomi Cook – Pascal Dombis – Jean Dubois – Marie-Eve Levasseur – Rafael Lozano-Hemmer – Sabrina Ratté – David Spriggs – Maija Tammi – Varvara & Mar

Commissaires : Dominique Moulon et Alain Thibault
Commissaire associée : Catherine Bédard

Dans le cadre de Némo – Biennale internationale des arts numériques de la Région Île-de-France, produite par le CENTQUATRE-PARIS, du 09 octobre 2021 au 09 janvier 2022.

Centre culturel canadien
10 décembre 2021 - 15 avril 2022 12h00 - 17h00

Lieu
Centre culturel canadien
130 rue du Faubourg Saint-Honoré, Paris

Ça aurait la longueur d’un trait bleu est une installation alliant pilotage de cerf-volant, photographie, impression mécanique et assemblage textile. Elle est élaborée d’une rive à l’autre de l’océan, par-dessus celui-ci, en bateau à voiles et en avion.

Un cerf-volant emporte une caméra, fait voler un regard pour voir la mer depuis le ciel, puis une machine imprime cette étendue d’un trait d’encre bleue. Ce trait flotte dans l’espace et le divise.

Peu importe la complexité de nos techniques ou l’étendue de nos efforts, les distances à parcourir sont incompressibles. Elles demeurent et, parfois, nous y passons. Le monde paraît à la fois immense et minuscule. Ça aurait la longueur d’un trait bleu.

Le travail de Pierre Coric (1994, Liège, Belgique) est un tissage de différentes pratiques techniques et technologiques. Navigation, programmation informatique et fabrication d’objets textiles sont les composantes d’installations éphémères et de performances qui, révélant par éclats un quotidien décalé, nous font réenvisager nos perceptions du monde.

Du 9 au 27 février 2022

ESPACE 400E

9 février:
17h à 20h

À partir du 10 février:
Samedi au mercredi de 12h à 17h
Jeudi et vendredi de 12h à 19h

Sming est une installation interactive qui nous offre l’opportunité de devenir simultanément chef d’orchestre et chorale. En maniant la baguette de direction, il est possible de prendre le contrôle du rythme et de l’intensité de la chorale générée par la multiplication et la transformation de notre voix. Cette expérience technologique à la fois intime et grandiose nous permet de plonger dans nos vibrations et harmonies vocales.

Du 9 au 27 février 2022

ESPACE 400E

9 février:
17h à 20h

À partir du 10 février:
Samedi au mercredi de 12h à 17h
Jeudi et vendredi de 12h à 19h

Superbe est un studio créatif hybride développant des expériences artistiques interactives et sensibles mettant l’humain au contact de la musique et du jeu.

Né en 2011, le studio s’articule d’emblée autour d’une préoccupation principale : créer des concepts mettant les sensations de l’utilisateur au centre de l’expérience interactive. Le projet est porté par Gaël Bertrand et Gaëtan Libertiaux, tout droit sortis en 2008 d’un groupe de musique. Si les premiers dispositifs interactifs qu’ils imaginent sont musicaux, ils expérimentent rapidement d’autres terrains de jeu, l’art interactif devenant ainsi leur sport favori. Instigateur d’expériences collectives ou intimistes, le studio se concentre sur la mise en place d’expériences sensibles, à mi-chemin entre art et spectacle vivant. Centrale, universelle autant que particulière dans sa résonance émotionnelle, l’intuition s’inscrit dans une démarche à la dérive philosophique, technologique et artistique, et toujours au service de la sensation.

Faune est une série de 10 affiches de grand format à observer avec l’application de réalité augmentée développée sur mesure. Collées dans l’espace public, les affiches invitent à un parcours en forme de jeu de piste qui révèle une vie animale cachée sur les murs de la ville. Libre d’accès, visible en extérieur, ce parcours s’adresse à tous les publics. Sorte d’initiation à un pistage poétique et dada, il propose une gymnastique de l’attention et un ré-enchantement du quotidien urbain. Faune est le fruit de la collaboration entre Adrien M & Claire B et le collectif de graphistes Brest Brest Brest.

PARCOURS EXTÉRIEUR ENTRE MÉDUSE ET L’ESPACE 400E
Du 3 au 27 février
Le parcours extérieur est accessible en tout temps! Nous vous suggérons tout de même de vous y aventurer en plein jour.
Réalité augmentée
Tous publics

Adrien Mondot
Adrien Mondot est un artiste multidisciplinaire, informaticien et jongleur. Né en 1979 à Grenoble, son travail explore et interroge le mouvement, se situant au point d’intersection entre l’art du jonglage et l’innovation informatique.

Initialement chercheur en informatique, il travaille pendant 3 années à l’INRIA de Grenoble où il s’applique à imaginer et à concevoir de nouveaux outils de création graphique s’affranchissant de la réalité. Durant cette période il développe parallèlement une pratique des arts de la rue avec des performances musicales jonglées et improvisées. Remarqué dans les festivals de rue, il fonde la compagnie Adrien M en 2004 afin de participer à l’opération Jeunes Talents Cirque dont il est lauréat la même année. Il s’agit alors pour lui de mêler étroitement les arts numériques, sonores, le jonglage et le mouvement, explorant les liens entre innovation technologique et création artistique. S’appuyant sur les outils qu’il développe, il s’affranchit des règles de l’apesanteur et du temps, brouille les pistes, se joue d’un art du cirque et de l’informatique dans un travail d’illusion magique, chorégraphique et poétique. Il multiplie aussi les collaborations, notamment avec Kitsou Dubois, Stéphanie Aubin, Ez3kiel et au sein de laboratoires de recherche indisciplinés qu’il organise régulièrement et qui lui permettent de nourrir ses réflexions et ses travaux de recherche. Il participe également à la création du spectacle de Wajdi Mouawad, Ciels, créé en 2009 au Festival d’Avignon.

Avec Cinématique, il remporte la même année le Grand Prix du jury dans le cadre de la compétition internationale « Danse et Nouvelles Technologies » organisée par le festival Bains Numériques à Enghien-les-Bains.

Claire Bardainne
Claire Bardainne est une artiste visuelle issue du design graphique et de la scénographie. Née en 1978 à Grenoble, diplômée de l’École Estienne et de l’ENSAD de Paris, sa recherche se concentre sur le croisement entre images, espaces et imaginaires.

Elle fonde en 2004 à Paris avec Olivier Waissmann le Studio BW dont l’activité se concentre sur la création d’identités visuelles, le graphisme multimédia, et en particulier le graphisme d’exposition et d’espaces, et au sein duquel elle travaille jusqu’en 2010. Dans le cadre du McLuhan Program in Culture and Technology de l’Université de Toronto en 2007, elle initie son projet intitulé Wicklow, associant dessin, microédition et performances. Elle accompagne parallèlement par un travail graphique et la création d’images les travaux théoriques de chercheurs en sociologie de l’imaginaire issus du Ceaq (Sorbonne, Paris), laboratoire orienté sur les nouvelles formes de socialité et sur l’imaginaire contemporain. Elle publie ainsi l’essai-livre d’art Récréations. Galaxies de l’imaginaire post-moderne (CNRS Éditions, Paris, 2009) avec Vincenzo Susca, consacré à l’imaginaire des technologies et des médias contemporains.

Arnaud Jarsaillon
Arnaud Jarsaillon s’engage très tôt dans le monde de la musique, du théâtre et du spectacle de rue. Il collabore depuis les années 1990 avec la Cie Transe Express, la Cie Delices Dada, la Cie Kumulus en tant que graphiste, musicien, décorateur, peintre-plasticien et créateur de costumes. Il cofonde en 1998 le collectif Pachyderm création avec qui il conçoit et réalise des décors de théâtre notamment pour la Comédie de Valence (26). Il est aussi musicien professionnel de 1990 à 2005, batteur, guitariste, puis illustrateur sonore notamment pour la création de trois ciné-concerts pour Lux scène nationale de Valence avec le quintet OS. Il cofonde le studio Brest Brest Brest en 2009.

Loris Pernoux
Loris Pernoux s’oriente très tôt dans les métiers d’arts pour se spécialiser par la suite dans la création graphique. Il finit ses études à la Gerrit Rietveld Academie d’Amsterdam en 2016, année pendant laquelle il collabore à la création de l’ouvrage To be Continued de Jan van Adrichem. De retour en France, il intègre le studio Brest Brest Brest en 2016, avec qui il concrétise le lancement de la maison de micro-édition Objet Livre. Loris entretient parallèlement une pratique du design typographique ; il fonde en 2019 la fonderie indépendante Loris Pernoux : Typefaces, proposant des services de créations typographiques sur mesure et la distribution de polices de caractères.

La Gaîté Lyrique inaugure un espace entièrement reconfiguré : la zone d’exposition du premier étage se transforme en une étonnante forêt lumineuse et sonore aux airs d’illusion d’optique. Premier invité du programme, le collectif pluridisciplinaire Visual System imagine une sculpture tridimensionnelle, évolutive et colorée, formant une atmosphère à la fois sonore et visuelle invitant à la déambulation et à la contemplation... ainsi que sa programmation associée !

Le collectif français Visual System nous transporte au cœur d’une forêt à l’abstraction géométrique, régénératrice de perceptions nouvelles. De ses troncs-totems élancés et fendus jaillissent de douces sources électroluminescentes, des faisceaux ondulants colorés et un grand orchestre de sons obéissant ensemble à des consonances harmoniques secrètes.

Enveloppés de toute part sous sa voûte sonore traversée de soleil et d’ombres, sans repères et sans point de vue fixe, nous sommes partout en son centre et nous nous fondons au beau milieu d’elle, là où tout se ressemble. Dans une poétique de l’espace, l’œuvre de déambulation cinétique Détour inverse les perspectives et s’anime : elle nous tend la main, nous tire à elle, nous berce et nous porte. Nous rappellerait-elle l’importance d’aller de l’avant pour sortir de la profondeur de ces lieux dont on ne cerne pas toujours les contours et pour laisser venir l’inévitable inattendu ?

Poursuivant ses explorations des cultures post- Internet, la Gaîté Lyrique inaugure un programme artistique dédié aux nouvelles écritures et expériences immersives. Dans la société d’images dans laquelle nous vivons, ces formes de récit innovantes, qui mobilisent tous nos sens, méritent une attention toute particulière. Ce nouveau programme prend forme au premier étage de la Gaîté Lyrique. L’entièreté du plateau est désormais consacré à la découverte des potentiels créatifs liés aux développements récents des technologies d’immersion et d’interaction.

Dans Détour, le visiteur, totalement libre de ses mouvements, découvre seize totems d’une hauteur de 2,50 mètres striés de LED. Inspirés par les sculptures picturales abstraites, ces monolithes lumineux sont érigés au sein d’un espace plongé dans le noir. Ils s’animent et se répondent au rythme d’une création sonore qui nous guide dans les méandres d’un nouvel écosystème, ouvrant un dialogue entre l’homme, la nature et la machine. Sons et lumières s’éveillent en tandem. Au fur et à mesure de la traversée, la perception sonore s’intensifie. La lumière est douce et indirecte. La musique, créée par les compositeurs Thomas Vaquié & Alexandre Bouvier, est enveloppante. Détour invite à se perdre dans un morphing de paysages sonores et visuels, au sein d’une forêt onirique régénératrice de perceptions nouvelles, abritant des mondes inédits.

17.09.21–06.03.22
Gratuit

Petite Galerie

Horaires :
Du mardi au vendredi : 14h00–20h00
Les week-ends : 12h00–19h00
Le soir, en fonction de la programmation
Fermée le lundi

⚠ Attention : L'installation sera exceptionnellement fermée les 12 & 13.01.22 

ADRESSE
3bis rue Papin
75003 Paris

Et si on écoutait nos plantes vertes de temps en temps? Petits et grands sont invités à venir jouer dans une petite jungle enchantée afin de créer différentes harmonies botaniques. Après Le son de l’ère est froid, une installation sonore prenant la forme d’une cabane de pêche, les artistes de L’eau du bain nous reviennent avec une serre musicale. Ils poursuivent ainsi leur mission de rendre audible la musique secrète qui habite nos différents environnements.

Du 3 au 13 février 2022

SALLE MULTI DE MÉDUSE

Samedi au mercredi de 12h à 17h
Jeudi et vendredi de 12h à 19h

Que ce soit sur un lac gelé ou dans un centre d’hébergement pour personnes âgées, L’eau du bain se déplace pour créer. L’organisme sort de la boîte noire pour aller à la rencontre de nouveaux paysages, d’autres personnages. Basé en Outaouais, il puise sa matière première dans le réel et la façonne en univers enveloppants dans lesquels les trames fictionnelles apparaissent, puis s’évanouissent. Ses installations, comme ses œuvres théâtrales, emploient un langage métissé où le son et la lumière sont conçus pour faire vibrer le corps du spectateur, qu’il soit adulte ou enfant. À Québec, les artistes ont déjà présenté Le son de l’ère est froid (Mois Multi, 2016), une installation sonore prenant la forme d’une cabane de pêche plantée au jardin Jean-Paul-L’Allier, dans le quartier Saint-Roch. Ils ont également interprété Nous voilà rendus (Carrefour international de théâtre, 2017), une œuvre théâtrale et performative donnant la parole à des aînés

Grégory Lasserre et Anaïs met den Ancxt, connus sous le nom de Scenocosme, sont un couple d'artistes. Ils vivent et travaillent ensemble depuis leur rencontre à Lyon en 2003.

Leurs créations singulières prennent forme à travers diverses expressions : installations interactives, art plastique, art numérique, art sonore, performances collectives etc... En distillant la technologie numérique, ils en font ressortir des essences de rêve et de poésie, ils en utilisent ainsi la partie vivante, sensible voire fragile.
Ils développent la notion d’interactivité, par laquelle l’œuvre existe et évolue grâce aux relations corporelles et sociales des spectateurs. Ils réalisent d'étonnantes hybridations entre technologies et éléments vivants ou naturels (végétaux, humains, eau, bois, pierres...). La plupart de leurs œuvres interactives perçoivent diverses relations invisibles entre les corps et l’environnement. Ils rendent sensibles les variations énergétiques infimes des êtres-vivants en proposant des mises en scène interactives où les spectateurs partagent des expériences sensorielles extraordinaires.

A partir du 29 janvier prochain, venez découvrir la nouvelle exposition "Empathie" de ces deux artistes au Musée de Vence.

Informations pratiques:

Adresse : 2 place du Frêne
Téléphone : 04.93.58.15.78
Horaires : ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h
Tarifs : 6 € adultes / réduit 3 € : groupe 10 personnes, jeunes de 12 à 18 ans, étudiants sur présentation d’une carte en cours de validité…
Parkings conseillés : Grand-Jardin, Marie-Antoinette, Toreille

L’exposition Lumière Espace Temps réunit 14 artistes contemporains en hommage à Nicolas Schöffer et se voit prolonger jusqu'au 29 janvier 2022.
Cybernétique, robotique, interactivité, visions prismatiques, art vidéo et machines à rêver sont au programme de cette sélection réunie au Grenier à sel.

Avec :
Elias Crespin, Félicie d’Estienne d’Orves, Pe Lang, Adrien Lucca, Etienne Rey,  Antoine Schmitt, Anne Sarah Le Meur, Olivier Ratsi, Santiago Torres, Lab(au), Justine Emard, Ronan Barrot – Robbie Barrat, Maurice Benayoun et Niko de La Faye.

14 ARTISTES CONTEMPORAINS EN HOMMAGE À NICOLAS SCHÖFFER
Artiste majeur de la seconde moitié du XXème siècle, Grand prix de la 34e Biennale de Venise en 1968, Nicolas Schöffer fut l’un des précurseurs de l’art cybernétique, des arts électroniques et surtout des rencontres entre disciplines artistiques.

Tout en rendant hommage à ce génie visionnaire par la présentation d’un ensemble de films et d’expérimentations visuelles, l’exposition réunit 14 artistes qui perpétuent son héritage, au carrefour des technologies et des sciences.

Tous ont en commun une fascination pour cet esprit anticipateur qui trouve une nouvelle actualité à l’heure des cultures numériques : des recherches sur le temps et l’espace via les mouvements de la lumière (Félicie d’Estienne d’Orves, Etienne Rey, Anne-Sarah Le Meur, Adrien Lucca, Olivier Ratsi) aux vibrations cinétiques et expansions de l’oeuvre dans l’espace (Pe Lang, LAb(au), Elias Crespin), des œuvres programmées ou en temps réel (Antoine Schmitt, Maurice Benayoun, Barrat-Barrot, Santiago Torres) à l’interaction entre la l’homme et la machine (Justine Emard, Niko de La Faye).

INFORMATIONS PRATIQUES
Prolongation exceptionnelle jusqu’au 29 janvier :
ouverture du mercredi au samedi de 13h30 à 18h30 (dernière entrée à 18h)

Entrée libre et gratuite, sans réservation.

Visites guidées :
Visite guidée les mercredi et samedi à 16h30 (3€ par personne).
Visite guidée pour les groupes sur réservation (1 heure /2€ par participant).

Ateliers jeune public 7 – 12 ans :
Visite et atelier autour de l’exposition, chaque samedi de 10h à 12h30 : en savoir +

Accès :
Le Grenier à sel
2 rue du Rempart Saint-Lazare
84000 Avignon
Tél. : 04 32 74 05 31
Mail. : accueil@legrenierasel-avignon.fr

Événement dans le cadre de "L'Air numérique" et du festival Premiers plans d'Angers.
Du samedi 22 janvier 2022 au dimanche 06 février 2022

« 1.3 seconde »
Installation immersive
En partenariat avec Stéreolux. 
La 6e édition de "l’Air numérique" vous invite à une exploration de la lumière au cœur de la collégiale Saint-Martin, une nouvelle fois écrin de la création contemporaine.

1,3 seconde correspond au temps mis par la lumière pour faire le trajet entre la terre et la lune à la vitesse de 300 000 km/s. Cette durée constitue le pouls, la pulsation fondamentale de l’installation imaginée et développée pour la collégiale. Plongez au milieu d’une composition lumineuse et sonore qui sculpte l’espace de la collégiale et joue avec les limites de notre perception.

"1.3 seconde" est une installation immersive de Guillaume Marmin (concept et design). 
Musique : Jean-Baptiste Cognet et Philippe Gordiani.
Directeur technique : Maël Pinard.
Coproduction : TETRO+A, Constellation Festival Metz, YAM. 

Guillaume Marmin est un plasticien nantais sensible dans ses créations, ses scénographies ou ses performances à la lumière, au son et l’espace. Après des études en audiovisuel, il présente ses premiers travaux en 2005 à la Biennale d’art contemporain de Lyon.

Retrouvez dans les autres lieux du Festival Premiers plans la sélection des films de L’Air numérique. Plus d’infos sur le site du festival Premiers plans.

Horaires et tarifs
Les 22 et 23 janvier 2022 :
Horaires : le samedi et le dimanche, de 13 h à 19 h.
Tarifs habituels : 4 € / 3 € en tarif réduit / gratuit pour les moins de 18 ans.
 
Du 24 au 30 janvier, pendant le Festival Premiers plans :
Horaires : tous les jours (y compris le lundi 24 janvier), de 13 h à 19 h.
Tarifs : gratuit.
 
Du 1er au 6 février :
Horaires : du mardi au dimanche, de 14 h à 18 h.
Tarifs habituels : 4 € / 3 € en tarif réduit / gratuit pour les moins de 18 ans.